Análise das personagens traidoras em Felizmente há Luar de Sttau Monteiro

Este trabalho foi verificado pelo nosso professor: 15.01.2026 às 15:20

Tipo de tarefa: Análise

Adicionado: 15.01.2026 às 14:33

Introdução

Neste ensaio iremos focar a análise nas personagens conhecidas como “Os Traidores”. Para além da sua importância decisiva no desenvolvimento da ação – são eles os agentes da denúncia e responsáveis pela prisão dos conspiradores – representam diversas faces da traição: a cobardia, o desejo de ascensão social, o materialismo e a hipocrisia. Explorar o modo como estes personagens são construídos, quais as suas motivações, relações e linguagens, e como funcionam simbolicamente na encenação do conflito político-social, permitirá perceber a dimensão profunda da crítica do autor à sociedade portuguesa de então (e também de hoje). Nesse sentido, o estudo destas figuras revelar-se-á decisivo para compreender não só a narrativa, mas todo o projeto crítico subjacente a *Felizmente há Luar!*.

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Desenvolvimento

I. Definição e papel dos traidores na peça

Ao nível literário, evidenciam uma hipocrisia corrosiva, evidenciando tanto a sua falta de escrúpulos como a vaidade e autojustificação dos que traem, sempre convencidos da sua própria honorabilidade. Este aspeto reveste uma importância especial no contexto da produção romântica e no legado do teatro português: tal como o próprio Almeida Garrett já evidenciara em “Frei Luís de Sousa”, ou Branquinho da Fonseca em “Os Traidores”, a ambiguidade moral dos denunciadores revela-se um dispositivo crítico do inconformismo face ao statu quo.

Assim, estas personagens servem uma dupla função: promovem a progressão dramática e são veículo de crítica social e política, denunciando as engrenagens de compadrio e opressão na sociedade portuguesa.

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II. Caracterização individual das personagens traidoras

A. Vicente

O seu discurso é marcado por mudanças constantes de tom: ora é solidário com o povo e os conspiradores, ora revela o seu verdadeiro rosto traidor e interesseiro. Esta duplicidade é notória, por exemplo, quando defende perante Mónica e Matilde que apenas cumpre o seu dever, justificando a delação e o controle autoritário em nome de um alegado “bem maior”. A sua vontade de denegrir a figura do general é explícita, chegando a acusá-lo de corrupção e traição à pátria – recorrendo frequentemente ao sarcasmo e à ironia como formas de se distanciar de qualquer implicação moral.

Cénicamente, Vicente apresenta-se com fala rápida, gestos grandiloquentes, por vezes quase alucinados, como quem encena para si próprio um papel heroico. Esta teatralização da própria pessoa (“gestos de senador romano”) evidencia irreprimível arrogância e sede de reconhecimento. Em simultâneo, a sua ansiedade revela-lhe fragilidade: tanto teme ser acusado, como deseja a promoção e aprovação dos superiores. Muitas vezes é irónico, grotesco e até histriónico, encenando piedade quando convém, mas evidenciando sempre desprezo pelo povo de que era parte.

No tecido social retratado, Vicente é, no início, iludidamente tido pelo povo como aliado – o traidor nunca se apresenta como tal. Contudo, a verdade impõe-se e, à medida que os seus esquemas são expostos, a sua figura é repugnada e rejeitada. Já os governantes, embora desconfiados do seu passado e das suas intenções, utilizam-no a seu favor, valorizando-lhe a eficácia enquanto “cão de guarda” do sistema.

Vicente materializa assim a crítica dura à hipocrisia e à falsa solidariedade, às aspirações mesquinhas que tanto sabotam ideais coletivos. Representa o traidor “mediano”, aquele que, sem convicção, se vende ao poder. O autor, ao dar-lhe linguagem sarcástica e múltiplas máscaras, insinua a persistência destas figuras na realidade portuguesa.

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B. Andrade Corvo

Este tipo de personagem está pouco preocupado com a própria imagem, demonstrando até um certo desprezo pela opinião alheia. Assume publicamente o papel de colaborador dos opressores, sendo visto pelo povo como verdadeiro “bufo” e desprezado pelas classes populares. Não obstante, os próprios superiores têm por ele escassa consideração; consideram-no útil, mas apenas enquanto cumpra o seu papel de informador.

O seu comportamento cénico é impaciente, dramático e, por vezes, teatralmente afetado. Não demonstra remorsos nem dúvidas existenciais; a sua traição aparente resulta de mero cálculo de vantagens. Isso vê-se, por exemplo, nos constantes apartes em que sublinha que “não há outro caminho” ou “é assim a vida”. Deste modo, torna-se símbolo da aceitação resignada do mal, reforçando a dimensão trágica da peça.

Se compararmos Andrade Corvo com Vicente, notamos diferenças subtis mas decisivas: Vicente finge solidariedade e oscila entre arrogância e servilidade, enquanto Corvo apenas se preocupa com o que pode ganhar; a sua frieza e desencanto representam a corrupção dos ideais e a morte da esperança.

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C. Morais Sarmento

No plano cénico, Morais Sarmento apresenta-se nervoso, ansioso e, por vezes, titubeante nos seus discursos. Revela sarcasmo e hipocrisia, misturando a preocupação pela sua “reputação” com o desejo de agradar ao poder. Esta ansiedade traduz também uma consciência moral atrofiada: sabe que está a agir errado, mas a cobardia e o apego ao pouco poder que detém são mais fortes do que qualquer princípio.

No seio da sociedade, Morais Sarmento é objeto de desprezo tal como Andrade Corvo, visto ora como figura pouco confiável, ora como instrumento útil para controlar o povo. O autor utiliza-o para satirizar a fraqueza moral: não é por acaso que o soldado, tradicionalmente símbolo de honra, surge aqui como pequeno servidor submisso.

Morais Sarmento espelha aquilo que o autor quis criticar ferozmente: a mesquinhez e a hipocrisia dos que, por medo, compactuam com sistemas de opressão. Contrasta, assim, fortemente com o general Gomes Freire, cuja coragem é posta em contraponto nítido.

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D. Os Dois Polícias

Cénicamente, os polícias exibem sarcasmo, esperança vã de promoção, e uma vaidade cómica. Muitas vezes mostram-se convencidos de que Vicente ou outros superiores se lembrarão deles nos momentos de glória, mas são, no fundo, apenas peões num “xadrez” de interesses que não controlam. O povo teme-os – não tanto pelo perigo real, mas pelo poder que simbolicamente representam.

A sua estrutura caricatural serve para ironizar a tirania quotidiana, aquela implementada por “medrosos com poder”. Contrapõem-se ao herói trágico mostrando que, quando o povo aceita ser dominado por figuras sem brilho, a opressão triunfa até aos níveis mais baixos.

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III. Relações entre as personagens e a trama

O general Gomes Freire surge como vítima direta destas figuras, pois a sua prisão e posterior execução resultam precisamente da ação traidora. Os seus algozes não são grandes figuras do mal, mas sim homens comuns, cegos pelo medo, ambição ou vaidade: é, aliás, esse o tom trágico da peça, como também sucede em “Maria Stuart” de Schiller ou “Os Filhos do Fogo” de Soeiro Pereira Gomes, onde a traição se revela tarefa dos próprios membros da comunidade.

Por outro lado, os traidores revelam-se frágeis: dependem do poder e temem-no. Exemplificam, assim, como a repressão se consolida não apenas por força dos tiranos, mas sobretudo pela colaboração e passividade dos pequenos agentes quotidianos.

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IV. Análise do espetáculo dramático e das indicações cénicas

O modo de falar (com ou sem pressa, baixa ou alta voz, ironia, etc.) funciona como camada adicional de caracterização e crítica: por exemplo, as expressões trocistas dos polícias, o tom cínico de Vicente, o sarcasmo ansioso de Sarmento. O corpo, a postura e o olhar são parte integrante da construção destas personagens. As indicações de movimentos agitados ou conciliatórios contribuem para humanizar (ou desumanizar) as figuras e transmitir claramente ao público a sua natureza dúbia.

A encenação expressiva é, assim, parte da mensagem política da peça, vincando a artificialidade, a cobardia e a mesquinharia dos traidores.

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V. Síntese da crítica implícita na peça através dos traidores

Cada traidor é, simultaneamente, resultado e peça do sistema: traem por medo, ambição, cobardia ou cegueira social, mas são rápidas caricaturas dos vícios perpetuados por uma sociedade parada no tempo. Assim, as personagens traidoras tornam-se espelhos da condição nacional pós-guerra civil: numa época em que a repressão era uma presença constante (seja na ditadura de D. Miguel, seja, por analogia, no Estado Novo), denunciaram-se as “pequenas traições” quotidianas que impedem qualquer progresso coletivo.

Face ao herói romântico, símbolo da liberdade e pureza moral, surgem as figuras vis da traição, incapazes de verdadeira grandeza. Essa tensão, característica da estética romântica, reforça o apelo à resistência e à denúncia do conformismo, valores que atravessam toda a peça.

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Conclusão

A sua análise revela como a peça, para além do quadro histórico de 1817, constitui um libelo contra a passividade e a colaboração nos sistemas de opressão – servindo de alerta, também, para a contemporaneidade. Afinal, as características destes traidores (ambição, cobardia, resignação) continuam presentes nas dinâmicas do poder, tanto em Portugal como em qualquer sociedade.

Resta perguntar: quem, na nossa contemporaneidade, desempenha o papel destes traidores? Não persistem ainda os “Vicentes”, “Sarmentos” e “Corvos” do nosso tempo, disfarçados sob as mais variadas formas de oportunismo? A peça lança-nos, assim, o desafio do debate ético sobre poder, moralidade e cidadania. A sua mensagem, longe de datada, mantém-se urgente e necessária – felizmente, há luar para lançar luz sobre os pequenos e grandes traidores da nossa História.